Иску́cство (от церк.-слав. искусьство (лат. eхperimentum — опыт, проба); ст.-слав. искоусъ — опыт, реже истязание, пытка) — образное осмысление действительности; процесс или итог выражения внутреннего или внешнего мира творца в (художественном) образе; творчество, направленное таким образом, что оно отражает интересующее не только самого автора, но и других людей. Искусство (наряду с наукой) — один из способов познания, как в естественнонаучной, так и в религиозной картине восприятия мира.
Понятие искусства крайне широко — оно может проявляться как чрезвычайно развитое мастерство в какой-то определённой области. Долгое время искусством считался вид культурной деятельности, удовлетворяющий любовь человека к прекрасному. Вместе с эволюцией социальных эстетических норм и оценок искусством получила право называться любая деятельность, направленная на создание эстетически-выразительных форм.
В масштабах всего общества, искусство — особый способ познания и отражения действительности, одна из форм художественной деятельности общественного сознания и часть духовной культуры как человека, так и всего человечества, многообразный результат творческой деятельности всех поколений.
Этимология слова «искусство», как в русском, так и в греческом языке (греч. τέχνη — «искусство, мастерство, умение, ремесло») подчеркивает такие положительные качества, как мастерство. Определение термина
В наиболее общем смысле искусством называют мастерство, продукт которого доставляет эстетическое удовольствие. Энциклопедия Британника дает следующее определение: «Использование мастерства или воображения для создания эстетических объектов, обстановки или действия, которые могут быть разделены с окружающими». Таким образом, критерием искусства является способность вызывать отклик у других людей. Произведения искусства начали создавать еще в доисторические времена, однако некоторые авторы склонны считать искусством только профессиональную деятельность людей искусства в современных странах Запада. Литература о собственно концепции искусства чрезвычайно обширна. Как говорил Теодор Адорно: «В наше время считается общепризнанным, что из всего, так или иначе касающегося искусства, ничто более не может считаться общепризнаным».
Определение и оценка искусства как явления — предмет непрекращающихся дискуссий. Природу искусства нередко считают «самой неуловимой из всех загадок человеческой культуры». Одни авторы считают, что искусство — способ выражения или сопереживания эмоций и идей, другие полагают, что это способ исследования и оценки формальных элементов, третьи — что это мимесис или представление. Лев Толстой определял искусство как способ непрямой коммуникации между людьми. Бенедетто Кроче и Робин Коллингвуд развивали идеалистическое учение о том, что искусство выражает эмоции, и следовательно, его сущность имеет место лишь в замысле своего создателя. Теория искусства как формы имеет корни в философии Иммануила Канта и развивалась в начале XX века Роджером Фраем и Кливом Беллом. Взгляд на искусство как мимесис или представление восходит к философии Аристотеля.
В эпоху романтизма традиционное понимание искусства как мастерства любого сорта уступило видению его как «особенности человеческого разума наряду с религией и наукой». В XX в. в понимании эстетического наметились три основных подхода: реалистический, согласно которому эстетические качества объекта присущи ему имманентно и не зависят от наблюдателя, объективистский, который также считает эстетические свойства объекта имманентными, но в некоторой степени зависимыми от наблюдателя, и релятивистский, в соответствии с которым эстетические свойства объекта зависят только от того, что в нем видит наблюдатель, и разные люди могут усматривать разные эстетические качества одного и того же объекта. С последней точки зрения объект может быть охарактеризован в зависимости от намерений его творца (или отсутствия каких-либо намерений), для какой бы функции он ни был предназначен. Например, кубок, который в быту может быть использован как контейнер, может считаться произведением искусства, если был создан только для нанесения орнамента, а изображение может оказаться ремесленной поделкой, если его производят на конвейере.
В своем первом и наиболее широком смысле термин «искусство» (art, англ.) остается близким к своему латинскому эквиваленту (ars), который может быть также переведен как «мастерство» или «ремесло», а также к индоевропейскому корню «составление» или «составлять». В этом смысле искусством может быть названо все, что было создано в процессе обдуманного составления некой композиции. Вот некоторые примеры, доказывающие[нейтральность?] широкий смысл данного термина: «искусственный», «военное искусство», «артиллерия», «артефакт». Многие другие широко употребимые слова имеют аналогичную этимологию.
До XIX века изящными искусствами называли способности художника или артиста выразить свой талант, пробудить в аудитории эстетические чувства и вовлечь в созерцание «изящных» вещей.
Термин искусство может употребляться в разных смыслах: процесс использования таланта, произведение одаренного мастера, потребление произведений искусства аудиторией, а также изучение искусства (искусствоведение). «Изящные искусства» — это набор дисциплин (искусств), продуцирующих произведения искусства (объекты), созданные одаренными мастерами (искусство как деятельность) и вызывающие отклик, настроение, передающие символику и иную информацию публике (искусство как потребление). Произведениями искусства называют преднамеренную талантливую интерпретацию неограниченного множества концепций и идей с целью передать их окружающим. Они могут быть созданы специально для указанной цели или представлены изображениями и объектами. Искусство стимулирует мысли, чувства, представления и идеи через ощущения. Оно выражает идеи, принимает самые разные формы и служит многим разным целям.
Добавлено (21.03.2011, 04:14) --------------------------------------------- История
В настоящее время в мировой культурной традиции используются понятия об искусстве, берущие свое начало в средиземноморской античности, в особенности в греко-римском понимании этого термина.
Появление
Венера Виллендорфская ок. 23 тыс. лет до н. э. Центральная Европа. По трудовой теории, в первобытном обществе искусство зарождается с видом Homo sapiens как способ человеческой деятельности для решения практических задач. Возникнув в эпоху среднего палеолита, первобытное искусство достигло расцвета в верхнем палеолите, около 40 тыс. лет назад, и могло быть социальным продуктом общества, воплощавшим новую ступень освоения действительности. Древнейшие произведения искусства, такие как ожерелье из раковин, найденное в Южной Африке, датируются 75 тысячелетием до н. э. и более. В каменном веке искусство было представлено пещерной живописью, наскальными рисунками, петроглифами и скульптурой.
Появление искусства связывают с играми, ритуалами и обрядами, в том числе обусловленными мифологически-магическими представлениями.
Первобытное искусство было синкретичным. По утверждению отдельных авторов, оно берет начало в доречевых навыках и приемах передачи, восприятия и хранения в памяти языковой информации. Коммуникативная утилитарность искусства, наряду с развитием эстетического аспекта, ярко наблюдается в дописьменный, фольклорный период культур всех народов. Также существуют теории о искусстве как биологической функции (художественном инстинкте).
Искусства в античном мире Портрет пекаря Теренция Неона и его жены. Помпи - Дом Теренция Неона VII 2-6 - Inv. No. 9058. Неаполь Национальный археологический музей.
Основы искусства в современном понимании этого слова были заложены древними цивилизациями: египетской, вавилонской, персидской, индийской, китайской, греческой, римской, а также аравийской (древнего Йемена и Омана) и другими. Каждый из упомянутых центров ранних цивилизаций создал собственный уникальный стиль в искусстве, который пережил века и оказывал свое влияние на позднейшие культуры. Они же оставили первые описания работы художников. Например, древнегреческие мастера во многом превзошли прочих в изображении человеческого тела и умели показать мускулатуру, осанку, правильные пропорции и красоту натуры. [править] Искусства в Средние века См. также Каролингский Ренессанс Стилизированная подпись турецкого султана Махмуда II выполненная арабской каллиграфией. Перевод- Махмуд-хан сын Абдул-Хамида вечно победоносный.
Византийское искусство и готика западного Средневековья были сосредоточены на духовных истинах и библейских сюжетах. Они подчеркивали незримое возвышенное величие горнего мира, используя золотистый фон в живописи и мозаике, и представляли человеческие фигуры в плоских идеализированных формах. Чен Хоншоу автопортрет 1635 г. эпоха Мин. [img]http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/99/Chen_hongshou_selfportrait%2C1635.jpg[/img]
На востоке, в исламских странах, было широко распространено мнение, что изображение человека граничит с запрещенным сотворением идолов, вследствие чего изобразительное искусство в основном сводилось к архитектуре, орнаменту, ваянию, каллиграфии, ювелирному делу и другим видам декоративного и прикладного искусства (см. Исламское искусство). В Индии и Тибете искусство было сосредоточено на религиозном танце и скульптуре, которой подражала живопись, тяготевшая к ярким контрастным цветам и четким контурам. В Китае процветали в высшей степени разнообразные виды искусства: резьба по камню, бронзовая скульптура, керамика (в том числе знаменитая терракотовая армия императора Цинь), поэзия, каллиграфия, музыка, живопись, драма, фантастика и др. Стиль китайского искусства изменялся от эпохи к эпохе и традиционно носит название по имени правящей династии. Например, живопись эпохи Тан, утонченная и монохромная, изображает идеализированный пейзаж, а в эпоху Мин в моде были густые сочные краски и жанровые композиции. Японские стили в искусстве также носят название местных императорских династий, а в их живописи и каллиграфии наблюдается значительная взаимосвязь и взаимодействие. С XVII века здесь распространилась также гравюра по дереву.
От Возрождения до современности
Западный Ренессанс вернулся к ценностям материального мира и гуманизма, что вновь сопровождалось изменением парадигмы изобразительного искусства, в пространстве которого появилась перспектива, а человеческие фигуры обрели утраченную было телесность. В эпоху Просвещения художники стремились отразить физическую и рациональную определенность Вселенной, представлявшейся сложным и совершенным часовым механизмом, а также революционные идеи своего времени. Так Уильям Блейк написал портрет Ньютона в образе божественного геометра, а Жак-Луи Давид поставил свой талант на службу политической пропаганде. Художники эпохи Романтизма тяготели к эмоциональной стороне жизни и человеческой индивидуальности, вдохновляясь поэмами Гете. К концу XIX века появился целый ряд художественных стилей, таких как академизм, символизм, импрессионизм, фовизм.
Однако, их век был непродолжителен, и конец прежних направлений был приближен не только новыми открытиями относительности Эйнштейна [28] и подсознания Фрейда,[29], но и беспрецедентным развитием технологий, подстегнутым кошмаром двух мировых войн. История искусства XX века полна поиском новых изобразительных возможностей и новых стандартов красоты, каждый их которых вступал в противоречие с предыдущими. Нормы импрессионизма, фовизма, экспрессионизма, кубизма, дадаизма, сюрреализма и т. д. не пережили своих создателей. Растущая глобализация привела к взаимопроникновению и взаимовлиянию культур. Так на творчество Матисса и Пабло Пикассо оказало большое влияние африканское искусство, а японские гравюры (сами появившиеся под влиянием западного Ренессанса) служили источником вдохновения для импрессионистов. Колоссальное влияние на искусство оказали также западные по происхождению идеи коммунизма и постмодернизма.
Модернизм с его идеалистическим поиском истины во второй половине XX в. проложил путь к осознанию его собственной недостижимости. Относительность была принята как непреложная истина, что ознаменовало собой наступление периода современного искусства и критики постмодерна. Мировая культура и история также стали категориями относительными и преходящими, к которым стали относиться с иронией, а размывание границ региональных культур привело к их осмыслению как частей единой глобальной культуры. Классификация Картина Оноре Домье - изображающая театр Фотография Энсела Адамса — Хребет «Большой Титон» и река Снейк в национальном парке Гранд-Титон. Вайоминг - США Искусства могут быть классифицированы по разным критериям. Предметом отображения изобразительного искусства является внешняя действительность,[30] неизобразительные же виды искусства воплощают внутренний мир. Неизобразительные искусства по типу выражения и восприятия делятся на музыкальное, танцевальное и литературное, также возможны смешанные виды. Различным видам искусства присуща жанровая дифференциация.
По динамике искусства можно разделить на пространственные и временные. По утилитарности искусства делятся на прикладные и изящные (чистые).
По материалам искусство можно делить на виды, использующие - традиционные и современные материалы (краски, холст, глина, дерево, металл, гранит, мрамор, гипс, химические материалы, продукты серийной индустрии и т. д.) - современные способы хранения информации (современная электротехника, цифровые вычислительные машины) Медиаискусство: компьютерное искусство, цифровая живопись, сетевое искусство и т. д. - звук (слышимые колебания воздуха) Музыка: классическая, академическая, электронная (см. музыкальные жанры и стили) - слово (единица языка) каллиграфия, песни, литература (проза, поэзия) посредника-человека (исполнитель: актёр, певец, клоун и т. д.)
Тема для того, кто умеет, или хочет научится рисовать, оброщяйтесь ко мне, также и по фотографии. А также про искусство рассказывать.
Что вы можете рассказать про Импрессионистов? Хотела бы услышать ваше мнение.
Весной 1874 года группа молодых художников-живописцев, включающая Моне, Ренуара, Писсарро, Сислея, Дега, Сезана и Берту Моризо, пренебреглаофициальным Салоном и устроила собственную выставку. Подобный поступок ужесам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями, картины же этиххудожников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко недружественной. Они обвиняли художников в том, что те пишут просто для того,чтобы привлечь внимание публики, а не так, как признанные мастера. Наиболееснисходительные рассматривали их работы как насмешку, как попытку подшутитьнад честными людьми. Потребовались годы жесточайшей борьбы, прежде чемэти, впоследствии признанные, классики живописи смогли убедить публику нетолько в своей искренности, но и в своем таланте. Всех этих очень разныххудожников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом вискусстве. Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю - в 1886году. На этом собственно и заканчивается история импрессионизма как теченияв живописи, после чего каждый из художников пошел своей собственнойдорогой. Одна из картин, представленных на первой выставке “независимых”, каксебя сами предпочитали называть художники, принадлежала Клоду Моне иназывалась “Впечатление. Восход солнца”. В появившемся на следующий деньгазетном отзыве на выставку критик Л. Леруа всячески издевался надотсутствием “сделанности формы” в картинах, иронически склоняя на все ладыслово “впечатление” (impression), будто бы заменяющее в работах молодыххудожников подлинное искусство. Против ожидания, новое слово, произнесенноев насмешку, прижилось и послужило названием всего течения, поскольку онокак нельзя лучше выражало то общее, что объединяло всех участников выставки – субъективное переживание цвета, света, пространства. Стараясьмаксимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей,художники освободились от традиционных правил и создали новый методживописи.
Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия иотображения окружающего мира. Они стерли грань между главными предметами,достойными высокого искусства, и предметами второстепенными, установилимежду ними прямую и обратную связь. Импрессионистический метод стал, такимобразом, максимальным выражением самого принципа живописности. Живописныйподход к изображению как раз и предполагает выявление связей предмета сокружающим его миром. Новый метод заставил зрителя расшифровывать нестолько перипетии сюжета, сколько тайны самой живописи. Сущностьимпрессионистического видения природы и ее изображения заключается вослаблении активного, аналитического восприятия трехмерного пространства исведения его к исконной двухмерности холста, определяемой плоскостнойзрительной установкой, по выражению А. Хильдебранда, “далевым смотрением нанатуру”, что приводит к отвлечению изображаемого предмета от егоматериальных качеств, слиянию со средой, почти полного превращения его в “видимость”, внешность, растворяющуюся в свете и воздухе. Не случайно П. Сезанн позднее называл лидера французских импрессионистов Клода Моне “только глазом”. Эта “отстраненность” зрительного восприятия приводилатакже к подавлению “цвета памяти”, т. е. связи цвета с привычнымипредметными представлениями и ассоциациями, согласно которым небо всегдасинее, а трава зеленая. Импрессионисты могли в зависимости от своеговидения небо написать зеленым, а траву синей. “Объективнаяправдоподобность” приносилась в жертву законам зрительного восприятия. Например Ж. Сера с восторгом рассказывал всем, как он открыл для себя, чтооранжевый прибрежный песок в тени – ярко синий. Так в основу живописногометода был положен принцип контрастного восприятия дополнительных цветов.
Для художника – импрессиониста по большей части важно не то, что онизображает, а важно “как”. Объект становится только поводом для решенийчисто живописных, “зрительных” задач. Поэтому импрессеонизм первоначальноимеет еще одно, позднее забытое название – “хромантизм” (от греч. Chroma –цвет ). Импрессионисты обновили колорит, они отказались от темных, земляныхкрасок и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая ихпредварительно на палитре. Натурализм импрессионизма заключался в том, чтосамое неинтересное, обыденное, прозаическое превращалось в прекрасное,стоило только художнику увидеть там тонкие нюансы серого и голубого.
Характерна краткость, этюдность творческого метода импрессионизма. Ведьтолько короткий этюд позволял точно фиксировать отдельные состоянияприроды. Импрессионисты были первыми, кто порвал с традиционными принципамипространственного построения картины, восходящими к Возрождению и Барокко. Они использовали ассиметричные композиции, чтобы лучше выделитьзаинтересовавших их действующих лиц и предметы. Но парадокс состоял в том,что, отказавшись от натурализма академического искусства, разрушив егоканоны и декларировав эстетическую ценность фиксирования всего мимолетного,случайного, импрессионисты остались в плену натуралистического мышления идаже, более того, во многом это было шагом назад. Можно вспомнить слова О. Шпенглера о том, что “пейзаж Рембрандта лежит где-то в бесконечныхпространствах мира, тогда как пейзаж Клода Моне – поблизости отжелезнодорожной станции”.
интересно... тема умерла?... позор... хотя чего было ещё ждать... Joana, ничего не могу рассказать о них) но о них надо скорее не рассказывать, а смотреть... ощущения, подача... люблю Моне, самая любимая "Парламент, Лондон. Солнце, пробивающееся сквозь туман"...
Зинаида Серебрякова родилась 28 ноября 1884 года в родовом имении «Нескучное», под Харьковом. Ее отец был известным скульптором. Мать происходила из семьи Бенуа, и в молодости была художником-графиком. Ее братья были не менее талантливы, младший был архитектором, а старший мастером монументальной живописи и графики. Своим художественным развитием Зинаида в первую очередь обязана своему дяде Александру Бенуа - брату матери и старшему брату. Детство и юность художницы прошли в Петербурге в доме деда, архитектора Н. Л. Бенуа и в имении «Нескучном». Внимание Зинаиды всегда привлекала работа юных крестьянских девушек в поле. Впоследствии это не раз отразиться в ее творчестве. В 1886 году после смерти отца, семья перебирается из имения в Петербург. Все члены семьи были заняты творческой деятельностью, с увлечением рисовала и Зина. В 1900 году Зинаида закончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. В 1902-1903 годах во время поездки в Италию она создала множество набросков и этюдов. В 1905 она выходит замуж за Бориса Анатольевича Серебрякова — своего двоюродного брата. После свадьбы молодые отправились в Париж. Здесь Зинаида посещает Академию де ла Гранд Шомьер, много работает, рисует с натуры.
"Париж. Люксембургский сад"
Через год молодые возвращаются домой. В Нескучном Зинаида напряжённо работает — создает этюды, портреты и пейзажи. В самых первых работах художницы, уже можно разглядеть ее собственный стиль, определить круг ее интересов. В 1910 году Зинаиду Серебрякову ждет настоящий успех. В 1910 году, на 7-й выставке русских художников в Москве, Третьяковская галерея приобретает автопортрет «За туалетом» и гуашь «Зеленя осенью». Ее пейзажи великолепны - чистые, яркие тона красок, совершенство техники, небывалая красота природы.
"За туалетом"
Расцвет в творчестве художницы происходит в 1914—1917 годах. Зинаида Серебрякова создала серию картин, посвященных русской деревне, крестьянскому труду и русской природе - «Крестьяне», «Спящая крестьянка». В картине «Беление холста» раскрылся яркий талант Серебряковой как художника-монументалиста.
В 1916 году А. Н. Бенуа была поручена роспись Казанского вокзала в Москве, он привлек к работе и Зинаиду. Художница занялась темой стран Востока: Индия, Япония, Турция. Она аллегорически представила эти страны в виде прекрасных женщин. Одновременно она начала работу над композициями на темы античных мифов. Особую роль в творчестве Зинаиды Серебряковой занимают автопортреты. Во время гражданской войны, муж Зинаиды был на изысканиях в Сибири, а она с детьми в «Нескучном». Переехать в Петроград казалось невозможно, и Зинаида отправилась в Харьков, где нашла работу в Археологическом музее. Ее родовое имение в «Нескучном» сгорело, погибли все ее работы. Позже умер Борис. Обстоятельства заставляют художницу оставить Россию. Она отправляется во Францию. Все эти годы художница жила, в постоянных мыслях о муже. Она написала четыре портрета мужа, которые хранятся в Третьяковской галереи и Новосибирской картинной галереи. В 20-х годах Зинаида Серебрякова вернулась с детьми в Петроград, в бывшую квартиру Бенуа. Дочь Зинаиды Татьяна начала заниматься балетом. Зинаида, вместе с дочерью посещают Мариинский театр, бывают и за кулисами. В театре Зинаида постоянно рисовала. В 1922 году она создала портрет Д. Баланчина в костюме Вакха. Творческое общение с балеринами на протяжении трёх лет отразилось в изумительной серии балетных портретов и композиций.
"Снежинки"
Семья переживает тяжелые времена. Серебрякова пробовала писать картины на заказ, но у нее ничего не получилось. Она любила работать с натурой. В первые годы после революции, в стране началась оживлённая выставочная деятельность. В 1924 году Серебрякова стала экспонентом большой выставки русского изобразительного искусства в Америке. Все представленные ей картины были проданы. На вырученные деньги, она решается ехать в Париж, чтобы устроить выставку и получить заказы. В 1924 году она уезжает. Годы, проведенные в Париже, не принесли ей радости и творческого удовлетворения. Она тосковала по родине, стремилась отразить свою любовь к ней в своих картинах. Ее первая выставка прошла лишь в 1927 году. Заработанные деньги она высылала матери и детям. В 1961 в Париже ее навещают два советских художника – С. Герасимов и Д. Шмаринов. Позже в 1965 году, они устраивают для неё выставку в Москве. В 1966 году состоялась последняя, большая выставка произведений Серебряковой в Ленинграде и Киеве. В 1967 году в Париже в возрасте 82 лет Зинаида Евгеньевна Серебрякова скончалась.
"Купальщица" "Марокканка в красном платье"
От себя добавлю, что её автопортреты всегда сводили меня с ума, такая утонченность в движениях, нежность во взгляде. Каждое движение кисти наполнено глубоким смыслом.
Причина редактирования: Удаление сведений, не относящихся к теме.
Да и не нужно забывать про современного искусстве, вот например есть один арт клуб, (арт сообщество) "Атмосфера" которая ас во всем и в абстрактом изделии и в фотографичном , ну например посмотрите на эту чашу
разве не чудо, у меня такое чувство что если из него выпит кофе , или простую воду, не важно.. все равно у тебя будет чувство будто ты пьёшь кофе
Изменение репутации для пользователя ezio_ayditore
ezio_ayditoreOffline
Сообщение №11
написано: 21 февраля 2012, 10:39
| Отредактировано: ezio_ayditore - 3 марта 2012, 20:27
Я сам 5 лет учусь в художке - эти картины просто шедевр
Добавлено (20.02.2012, 22:45) --------------------------------------------- По моему мнению еще бы можно выложить работы пользователей те кто рисует
Добавлено (21.02.2012, 14:39) --------------------------------------------- Слушайте может мы конкурс проведем где каждый рассакажет о своей художке о своих впечатлениях и выложить свои работы а вот я сам рисовал
Изменение репутации для пользователя Korilka
KorilkaOffline
Сообщение №12
написано: 8 апреля 2024, 09:13
| Отредактировано: Multigone - 8 апреля 2024, 16:28
Мы Вконтакте
